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Discos 2016Reseña

‘Romaphonic Sessions’, un conjunto de caprichos publicables de Andrés Calamaro

Marzo 29, 2016 — Por Colectivo Sonoro0

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'Romaphonic Sessions' es el noveno álbum recopilatorio del cantante argentino en su carrera como solista.

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‘Romaphonic Sessions’ tiene una duración de 43 minutos y está compuesto por diez canciones.

Por: Pablito Wilson.

Colaborador Colectivo Sonoro.

En un texto reciente, publicado en El Espectador por Jaime Andrés Monsalve de Señal Radio Colombia, este concluye que el compositor uruguayo Leo Masliah tiene una seria preocupación por dejar obra y que por ello todas sus disímiles locuras están siendo repartidas –desde hace aproximadamente 40 años– entre sus cuentos, novelas, obras de teatro y canciones.

Conocer la obra de Andrés Calamaro en profundidad y preguntarse qué tiene que ver esto con un disco tan extraordinariamente orgánico como ‘Romaphonic Sessions’ sería casi un insulto a la misma. Desconocer ‘Biromes y servilletas’, de autoría de Masliah y rescatada en esta nueva entrega del ciclo ‘Grabaciones encontradas’ es perdonable, pero ignorar la naturaleza improvisativa de este ícono del rock latinoamericano no lo es. La canción es un puente porque habla de esos poetas que crean despreocupándose de la relevancia del trabajo que hacen, que desangran tinta para crear monumentales y no tan monumentales obras de lienzo desechable. O que, si vamos al caso de ‘Andrelo’, la han creado para regalarla vía internet sin hacerle muchos retoques.

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El disco se grabó los días 27 y 28 de mayo de 2015 en el Estudio Romaphonic, Buenos Aires.

Maquetas inéditas por montones, ‘mash ups’ de ‘El salmón’ en su faceta DJ y un visionario disco quíntuple con nombre de pez que gran parte del público argentino no logró entender y que al final, terminó siendo “resumido” en un álbum de veinticinco canciones, ponen a Calamaro en el lugar de los poetas que Masliah elogia con su composición. Todo eso sin mencionar las más de una de las transformaciones que han tenido las melodías que acompañan a ‘Mi enfermedad’, ‘Siete segundos’ (Los Rodríguez), ‘Los aviones’ o ‘Paloma’ y eso solo mencionando una mínima parte de semejante carrera tan prolífica.

La tercera entrega de ‘Grabaciones encontradas’ también presenta pulcros y poco pretensiosos homenajes a figuras del tango como Carlos Gardel y Alfredo Le Pera, Virgilio y Homero Expósito, Astor Piazolla y Horacio Ferrer o Anibal Troilo y Enrique Cadicamo; nuevas versiones de las canciones ya citadas y un pequeño tributo a Lito Nebbia. Personaje sumamente respetado entre el rock argentino.

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Fue producido por Andrés Calamaro y Germán Wiedemer y mezclado en Romaphonic por Martín Pomares.

En medio de este frenesí creativo, ‘Romaphonic Sessions’ es un conjunto de caprichos publicables y un capricho en sí mismo, uno bastante asertivo. Pocos autores podrían decir que logran juntar su carisma, meterla rápidamente en un trabajo y venderla así sin más. Pero Andrés lo logra, en un disco donde nos recuerda por qué siempre terminamos olvidando sus salidas en falso en redes sociales. O por qué uno puede darle play a un disco como este y olvidar su obsesión protaurina (aceptable como postura, más no como verdad impositiva) y recordar ese momento cuando comenzamos a amar su arte, cuando cada uno de sus oyentes contribuimos con nuestro granito de arena para posicionarlo como la figura que actualmente es. Porque cuando Calamaro se expresa puede sacar lo mejor y lo peor de cada uno de nosotros, eso es verdad absoluta.

Reflexión final: sí nunca dedicaron ‘Mi enfermedad’ o ‘Paloma’ este es el momento, ambas suenan más vulnerables que nunca.

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ReseñaRock

¿Cómo seguir descubriendo a David Bowie?

Enero 11, 2016 — Por Colectivo Sonoro0

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Creo que la memoria más profunda de nuestro camino en este mundo siempre va acompañada de canciones que nos ayudan a saber quiénes fuimos y qué nos importaba cuando estuvimos vivos y fuimos felices, muchas veces sin saberlo hasta que el recuerdo ataca. El tiempo le da a cada uno el lugar que le corresponde y matiza la experiencia, ayudando a formar una escultura de la masa que resulta de mezclar los años con lo que de verdad nos toca el alma.

El artista cambió su nombre a David Bowie para evitar confusiones con Davy Jones de The Monkees.
El artista cambió su nombre a David Bowie para evitar confusiones con Davy Jones de The Monkees.

Por: Fernando Rosas Manrique.

Colaborador Colectivo Sonoro

Dejé pasar a David Bowie muchas veces en mi vida. Lo esquivé en mi adolescencia, cuando mi cabeza se agitaba con la sicodelia –casi- intelectual de The Doors, la –para nada- ingenua belleza de los Beatles y mientras Pink Floyd empezaba a coquetearme desde un vinilo rescatado de los anaqueles un poco polvorientos de mis tías. [Cinco grandes canciones de David Bowie].

NoticiaPunkReseña

13 años sin Joe Strummer, líder y vocalista de The Clash

Diciembre 22, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Strummer falleció el 22 de diciembre de 2002 a los 50 años, en su casa de Broomfield en Somerset (Inglaterra), a causa de un fallo cardíaco congénito no diagnosticado.

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“Todo el mundo debe darse cuenta de que no puedes aferrarte al pasado. Si quieres que haya algún futuro, cada segundo debe llevarte al siguiente”: Joe Strummer.

Se cumplen 13 años del fallecimiento de John Graham Mellor,  más conocido como Joe Strummer, fue un músico británico nacido en Turquía y conocido por haber sido el líder, vocalista y guitarrista de la banda de punk británica The Clash‘London Calling’ de The Clash cumple 36 años.

Durante sus 28 años de carrera musical, Strummer publicó siete álbumes de estudio con The Clash, dos con The Latino Rockabilly War y tres con The Mescaleros.

ConciertosFestivalReseña

La revancha de The Chemical Brothers en Bogotá con el Sónar

Diciembre 9, 2015 — Por Marcela Giraldo0

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¿Querían el live act? Aquí está, dirían Tom Rowlands y Ed Simons al presentarse por segunda vez ante los colombianos, en el marco del festival Sónar.

El live act de The Chemical Brothers en Bogotá dejó al público más que contento. Foto: Cortesía
Foto: Cortesía

Su visita en 2012 en formato DJ set había dejado descontentos a muchos. En épocas donde es posible saber cómo es un show de un artista sin tener que estar presente, los asistentes (algunos sin saber diferenciar un DJ set de un live act) dijeron que su toque había sido aburrido y sin alma. Por eso, tras el anuncio de su inclusión como uno de los actos principales de la edición I del festival Sónar en Colombia, lo primero que los organizadores dejaron en claro fue que sería un toque con todos los juguetes.

Con disco estrenado este año, recientemente nominado a mejor álbum de electrónica en los Grammy, la dupla británica se subió a los decks pasadas las 12 de la noche teniendo como intro un sonido de alarma constante que bajó los ánimos tras la presentación de Brodinski, pero que dio espacio para tomar aire y prepararse para lo que venía.

Con ‘Hey Boy Hey Girl’ y todo el público saltando, la música hizo juego con una serie de elementos visuales que se desplegaban en tarima y sobre las cabezas de los asistentes. Siluetas gigantes, payasos macabros que vocalizaban al máximo, zombies hablando por teléfono, robots bailables, pintura con movimiento, la palabra GO proyectada en pantalla durante la canción y muchos juegos de luces captaron la atención de los presentes. En lo musical primaron canciones inolvidables de los dj’s como ‘Do it Again’, ‘Star Guitar’, ‘Believe’ o ‘Galvanize’. (Pueden ver el setlist completo en setlist.fm)

Después del show, el desborde de comentarios y recopilaciones de lo que se vivió desesperaron en redes a los que no estuvieron. “La fiesta del año” parece ser una de las opiniones generalizadas sobre Sónar Bogotá 2015, que en gran medida, debe su calificativo a lo ofrecido por los Chemical Brothers.

Bomba Estéreo y los aplausos para los colombianos

Cuatro de 16 agrupaciones del cartel provenían de la tierrita. Propuestas con un elemento en común: la influencia de la música latinoamericana y su combinación con la electrónica. Dany F y Las Hermanas inauguraron el festival, Mario Galeano de Frente Cumbiero llevó la cumbia a su máxima experimentación y Bomba Estéreo celebró en una de sus ciudades representativas el buen año musical que termina. Una curaduría de nombres que responde al concepto del festival: mostrar los mejores proyectos que involucran música, creatividad y tecnología.

La música lo salva todo, pero no hay que aprovecharse

Entendemos que los números son importantes. Desde el negocio, desde las expectativas, desde los resultados. Si un concierto no se llena, a futuro no hay bandas, no hay patrocinadores y no hay empresarios que se atrevan. Pero medidas desesperadas para dar con la capacidad de un lugar pueden salirse de control. A nuestra razón, damos algunas consideraciones para tener en cuenta:

-El cyberlunes, que ofrecía la boleta con un 30% de descuento le dio la oportunidad a muchos de poder adquirir sus entradas a un mejor precio, pero la extensión de la promoción molestó a algunos que adquirieron sus boletas a tarifa plena.

-Un papel puede convertirse en un elemento fácil de falsificar. Cortesías en manos de patrocinadores que ofrecían entradas dobles y resultaron ser sencillas, entradas activadas no propiamente por quien las adquirió y reventa de pases falsos lleva a replantearse el sistema de ingreso de los asistentes.

-Al final el espacio se llenó. Tanto que en ocasiones era difícil desplazarse de un pabellón a otro y el cierre de espacios comunes a partir de un momento de la noche hizo que se dieran aglomeraciones.

-Deducimos que quien “da el billete tiene voz de mando” pero ¿solo Milller como opción de cerveza? ¿En serio?

-Un mensaje para el público: en los festivales y conciertos también hay canecas. Caminar entre basura en medio de un show no es divertido.

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Reseña

Adiós Scott Weiland: despedida al tipo que nunca escondió sus demonios

Diciembre 4, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Busco mi copia del 'Core' de 1992 antes de escribir esta nota y la pongo con mucho volumen en mi estudio.

Scott Weiland fue el cantante de Stone Temple Pilots durante la década de 1990 con la que se volvería a reunir en 2008 para ser despedido en febrero de 2013.
Scott Weiland fue el cantante de Stone Temple Pilots durante la década de 1990 con la que se volvería a reunir en 2008 para ser despedido en febrero de 2013.

Por: Carlos Galindo
Colaborador Colectivo Sonoro

Una semana muy emocional en materia musical para muchos, hace algunos días veíamos por primera vez a Pearl Jam en Bogotá algo que nos dejó con espíritu renovado y más ‘vivos’ que nunca queriendo que el rock an droll suene más fuerte en todas partes y justo anoche de encontronazo llega la noticia de la muerte de Scott Weiland. (Muere Scott Weiland, exvocalista de Stone Temple Pilots y Velvet Revolver)

LanzamientosPopReseña

Manuel Medrano declama y su público lo aclama

Noviembre 4, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Ese larguirucho cartagenero de casi dos metros de altura escribe, compone y entona con una naturalidad envidiable que a primera escucha parece sugerir que todos los hombres podemos hacer lo mismo que él.

Manuel Medrano.
Manuel Medrano.

Por: Pablito Wilson.

Colaborador Colectivo Sonoro.

No es que sus canciones puedan catalogarse como poesía, o al menos, no en un sentido demasiado preciso de la palabra; sino que él sabe cómo manejar la ortografía amatoria a la perfección, colocar las tildes en los momentos precisos, transformar esos acentos invisibles en suspiros muy visibles. Y lo hace con suma naturalidad, de la misma forma que hace algunos años lo comenzó a hacer cuando cantaba en los bares. La fórmula es la misma, lo que cambia ahora es el público. El tamaño de su público.

En sus comienzos Manuel Medrano difícilmente habría soñado con un hit como ‘Afuera del planeta’ y menos con repetir la fórmula con una hazaña llamada ‘Bajo el agua’ (que puede permitirse la osadía de explotar en un estribillo que recién aparece a los dos minutos de que el track se pone en marcha). Probablemente tampoco con un disco producido por el cada vez más célebre Juan Pablo Vega o con un contrato con Warner Music México. ¿Qué tiene que hacer un colombiano emergente al lado de exitosos artistas aztecas como Maná, Jessy y Joy o María José (ex Kabah)? Pregunta complicada. Las sapiencias y las suposiciones están a la orden del día.

Esa voz que poco a poco va volviéndose marca registrada en el circuito nacional y   alguno que otro —quizás necesario— cliché en las letras poco a poco van develando el misterio. También el hecho de que Manuel sea —sin sentir ningún tipo de vergüenza por ello— un embustero. Ese larguirucho cartagenero de casi dos metros de altura escribe, compone y entona con una naturalidad envidiable que a primera escucha parece sugerir que todos los hombres (o al menos los que no le tenemos miedo a nuestro costado más sensible) podemos hacer lo mismo que él. Nos hace suponer que esas palabras que están en su boca, podrían haber salido de nuestra cabeza y ahora estar en la nuestra. Es todo una farsa. Colocar la palabra precisa en el momento preciso es un arte que brota adentro de muy pocos. Si Medrano dice “yo estaba loco pero tú también”, en el punto adecuado de la estrofa, con entonación cautivadora y todo esto le funciona; el resto de los mortales pierde todo argumento para criticarlo.

Manuel Medrano nació en Cartagena pero toda su vida la ha vivido en Bogotá, ciudad donde el clima, la multiculturalidad, el estrés y hasta el tráfico le han servido de polo a tierra para darle vida al papel y crear canciones exitosas como 'Afuera del planeta' y 'Bajo el agua'.
Manuel Medrano nació en Cartagena pero toda su vida la ha vivido en Bogotá, ciudad donde el clima, la multiculturalidad, el estrés y hasta el tráfico le han servido de polo a tierra para darle vida al papel y crear canciones exitosas como ‘Afuera del planeta’ y ‘Bajo el agua’.

Los paralelos con Santiago Cruz son inevitables, y no solo por los parecidos (que no llegan a ser calcos) perceptibles entre las voces de uno y otro, sino por la habilidad que ambos tienen para contar microhistorias y lograr que sus oyentes se sientan plenamente identificados con las mismas. Pero las diferencias entre ambos también lo son: el debut de Manuel Medrano suena mucho más orgánico y dinámico (rasgo muy perceptible en ‘Cómo hacer para olvidarte’, ‘El swing de la propuesta’ o ‘La mujer que bota fuego’), explora sonoridades más tenues (alejándose acertadamente de la grandilocuencia del pop tradicional) y apunta a los costados más sensuales de una relación (actual o culminada). Cruz habla de las experiencias, Medrano habla de las experiencias de alcoba.

Canciones como ‘Cuándo te pensaba’, ‘Quédate’ y ‘Yo solo nado contigo’ rompen con la linealidad del disco, mejor dicho, se arriesgan por explorar otras sonoridades. Lo que no quiere decir que el resto del álbum sea monótono, sino que al escucharse de corrido, los puntos de quiebre más perceptibles están en ellas. La primera le apuesta al rock, o más bien a un pop más contundente que se recuesta en un constante bombo y una guitarra que hace de co-protagonista. La segunda es un reggae que por su orquestación tan natural está a años luz de experimentos similares en el pop colombiano como ‘De la mano’ de Lucas Arnau o ‘No existe’ de Siam. Y la última es una composición western que parece evocar a Enrique Bunbury cuando suena.

Porque quizás, en ese camino —de influencias, sonoridades, ideas, aciertos y desaciertos— que puede trazarse entre el autodenominado ‘Aragonés errante’ y aquel compañero colombiano con quien se lo comparó en alguna parte de estas líneas; estén las claves para comprender al naciente artista. También, las que lleven a entender el por qué de su contrato con Warner Music México y el por qué en el norte algunos piensan que aunque Medrano puede ser profeta en su tierra, también puede ser profeta en una tierra que supera los cien millones de habitantes.

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ConciertosCrónicaReseña

“Algún día quiero tener una banda como Faith No More”

Septiembre 23, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Faith No More.
Faith No More.

Crónica del concierto de Faith No More en Colombia

Por Javier Carmona – Colaborador de Colectivo Sonoro

Hace un buen tiempo, cuando escuchar música pasó de ser algo que simplemente hacía por gusto a convertirse en una parte fundamental de mi vida, donde no me imagino que pase un solo día sin darle play a un disco, a cantar una canción, a intentar escribir alguna letra o al menos garabatear alguna idea, llegó a mis oídos una banda que cambiaría por completo la concepción musical que antes tenía.

PunkReseña

A 22 años del icónico ‘…And out come the wolves’ de Rancid

Septiembre 7, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Lanzado el 22 de agosto de 1995, el álbum más importante de Rancid es recordado por su aporte fundamental en la revitalización del punk.

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Por: Álvaro Castellanos – Periodista

Colaborador Colectivo Sonoro

A mediados de los 90’s, el rock alternativo en EE.UU. comenzaba a quedar huérfano luego de que el grunge entrara en una etapa agonizante protagonizada, entre otras razones, por la muerte de Kurt Cobain y la correspondiente disolución de Nirvana. En esta coyuntura, California gestaba una creciente ola de nuevas bandas punk rock que, insospechadamente, alcanzaron altos niveles de exposición como los charts de Billboard o las franjas estelares de MTV. Luego de que Green Day y The Offspring llegaran a la cima en 1994 con sus discazos ‘Dookie’  y ‘Smash’, Rancid iba a emularlos un año después con 19 tracks a pura genialidad enmarcados en su extraordinario e inolvidable álbum …And out come the wolves’.

FestivalesReseñaRock al Parque

¿Por qué ir a Rock al Parque 2015?

Julio 14, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Por: Andrea Carolina Gil
Colaboradora de Colectivo Sonoro

Si usted tiene espíritu festivalero, seguramente le sobrarán razones para asistir a un evento de esta magnitud; sin embargo, nunca está de más recordarle y contarle a los que aún están indecisos, cuáles son esas virtudes que solo tiene Rock al Parque para que no se pierda esta fiesta de la música. [Opinión] ¿Cuando estarán de acuerdo con el cartel de Rock al Parque?

PunkReseña

La resurrección de Refused

Junio 21, 2015 — Por Colectivo Sonoro0

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Los precursores del post-hardcore vuelven con un nuevo disco luego de 17 años de silencio.

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Si nos guiamos por la foto, parece una banda más de rockcito prefabricado. Pero no señores. Todo lo contrario. Palabras más, palabras menos, estos tipos son los inventores de varias de las tendencias más prolíficas de la música alternativa actual. Cuando a mediados de la década pasada el post-Hardcore, el Metalcore, el Mathcore, el Trashcore y otras desembocaduras del hardcore comenzaban a hacerse populares, Refused ya llevaba incorporándolas en su música desde comienzos de los 90. Este cuarteto sueco fundado en 1991 se adelantó a su tiempo y fundó sonidos que antes simplemente no existían. Refused suena a Refused. En la música, qué difícil es no parecerse a alguien más. Ser original. Y ellos lo fueron. Estaban influenciados por bandas como Nation of Ulysses de Washington o Born Against de Nueva York, pero de ahí en adelante crearon música de la nada.

Experimentales y consistentes a la vez, desarrollaron un ingenioso discurso mordaz y anticapitalista y se presentaron al mundo bajo una etiqueta hardcore punk que siempre les quedó pequeña. Con tres álbumes entre 1994 y 1998, lograron desarrollar un poder musical y una coherencia lírica que parecía interminable. Digo parecía, porque en el 98, cuando alcanzaban su punto musical más alto, se separaron.